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Wenn man Lost Highway beschreiben möchte, dann ist "Handlung" ein bedeutungsloses Wort. Dennoch, hier ist mehr oder weniger das, wovon Lost Highway handelt: Ein Noisejazz-Saxofonist (Bill Pullman, Independence Day) verdächtigt seine Frau (Patricia Arquette, True Romance), untreu zu sein. Unterdessen bricht jemand in das Haus der beiden ein und filmt das Paar im Schlaf mit einer Videokamera. Die Ehefrau wird umgebracht und Pullman wird für das Verbrechen verurteilt. Dann, in seiner Gefängniszelle, verwandelt er sich auf wunderbare Weise in einen jungen Mechaniker (Balthazar Getty), der daraufhin unverzüglich freigelassen wird, weil er nicht derjenige ist, der verurteilt wurde. Getty kehrt in sein früheres Leben zurück und trifft die Braut eines Unterweltbosses, die zufällig auch von Patricia Arquette gespielt wird. Aber all das hat nicht wirklich etwas damit zu tun, worum es in diesem Film geht.

Träume sind es, die Regisseur David Lynch faszinieren. Keine freundlichen, glücklichen Träume: Seine Träume flüstern uns ein, dass das, was wir für real halten, nur etwas ist, das wir uns selbst vormachen, um nicht in ein totales Chaos zu fallen. Die Charaktere sind allenfalls fragmentarisch angelegt. Die Dinge, die passieren, geschehen nicht, weil es einen Sinn ergibt, sondern weil wir tief in unserem Innern wollen, dass sie geschehen. Und natürlich ist auch in Lynchs Träumen, wie in unserem wachen Leben, die Erfahrung, das zu bekommen, was wir wollen, nicht immer angenehm.

In den besten Sequenzen des Films hat man nicht die geringste Ahnung, was man eigentlich sieht. Die Leinwand ist ein gigantisches Rechteck aus Farben und Schatten -- aber was sie genau darstellt, könnte alles und nichts sein. Und dennoch, in diesen Momenten bekommt man gerade so viele Hinweise auf Orte, Charaktere und die Geschichte, dass diese schwer erfassbaren Bilder einen echten Horror erzeugen -- ein Gefühl, dass man vielleicht nicht sehen möchte, was passieren wird, aber trotzdem nicht wegsehen kann. Ein unterschwellig nagendes Gefühl, dass irgendetwas in unserer Psyche mächtig schief läuft.

Insgesamt gesehen ist Lost Highway nicht unbedingt Lynchs bester Film: zu viel überflüssiges Füllmaterial und eine Vielzahl schwacher Nebenrollen, die die ohnehin schon langsame Erzählweise an einigen Stellen fast zum Erliegen bringen. Nichtsdestotrotz gibt es in Lost Highway auch Momente, die wertvoller sind, als einige andere überaus erfolgreiche Filme in ihrer Ganzheit. --Bret Fetzer

Amazon.de DVD-Bewertung

Die DVD-"Widescreen Edition" im 16:9-Format lässt dem Zuschauer die Wahl zwischen der englischen und der deutschen Sprachfassung. Beide Versionen liegen im sechskanaligen Rundumklang, also in Dolby Digital 5.1 vor. Zusätzlich enthält die DVD Interview-Statements von Bill Pullman, Patricia Arquette, Robert Loggia und David Lynch sowie Kino-Trailer von Lost Highway und The Straight Story. --Bret Fetzer

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Als im April 1990 zum ersten Mal der Pilotfilm von David Lynchs und Mark Frosts neuer Serie Twin Peaksüber die amerikanischen Bildschirme flimmerte, war das der Beginn einer neuen Ära im Fernsehen. Etwas Vergleichbares hatte es zuvor noch nicht in diesem Medium gegeben. Die über Jahrzehnte hinweg gewachsenen Grenzen, die Soap-Operas von Krimiserien und das Komische vom Fantastischen genauso wie vom Melodramatischen trennten, existieren hier nicht mehr. Lynch und sein Partner Mark Frost, dessen Anteil an den Folgen meist gern unterschlagen wird, sind ein bemerkenswertes Risiko eingegangen, als sie die Genres einfach vermischt und damit ein neues, viel größeres Terrain für Fernsehserien geschaffen haben. Dabei ist ihnen das bis dahin schier Unvorstellbare geglückt: eine Serie, die ungeheuer unterhaltsam ist und zugleich ihr Medium als genuine Kunstform entdeckt.

Die kleine, im Nordwesten Amerikas gelegene Gemeinde Twin Peaks ist mehr als nur eine Stadt: Sie ist ein Universum für sich, in dem man sich als Zuschauer praktisch von Anfang an heimisch fühlen kann. Einige ihrer Bewohner wie Harry S. Truman, der freundliche Sheriff der Stadt, Donna Hayward, dieses so unschuldige wie liebenswerte Mädchen von nebenan, James Hurley, der schweigsame jugendliche Rebell, oder Norma Jennings, die jederzeit hilfsbereite Besitzerin des R&R-Diners, sind einem augenblicklich vertraut. Man hat den Eindruck, als würde man sie mit all ihren Schwierigkeiten und Sehnsüchten schon lange kennen und fühlt sich ihnen in Momenten des Glücks wie der Trauer sofort verbunden. Es ist diese emotionale Verbundenheit, die Twin Peaks zu einer solch außergewöhnlichen Serie macht. Sie lässt einen auch die übrigen Figuren -- die seltsamen wie Pete Martell, Major Briggs oder die Log Lady und die zwielichtigen wie Leland Palmer, Ben Horne oder Audrey Horne -- mit offeneren Augen sehen. Das Dunkle und das Verrückte gehören genauso wie eine geradezu entwaffnende Normalität und Einfachheit zu der Welt von Twin Peaks. Die beiden Bergspitzen, denen die Stadt und die Serie ihren Namen verdanken, sind auch all die Gegensatzpaare, die das Leben in seiner Gesamtheit ausmachen.

Im Pilotfilm und der gerade einmal sieben Folgen umfassenden ersten Staffel der Serie entwerfen David Lynch und Mark Frost zusammen mit ihren Regisseuren und Koautoren den Kosmos der Serie. Die Ermittlungen im Mordfall Laura Palmer, die den von dem unvergleichlichen Kyle Maclachlan gespielten FBI-Agenten Dale Cooper nach Twin Peaks führen, bilden dabei nur so etwas wie den roten Faden der Serie. Die klassische Krimihandlung wird von Anfang an von mehreren anderen Geschichten überlagert. So hat die Frage nach dem Mörder der Schülerin eigentlich nie die Bedeutung gehabt, die ihr damals, bei der deutschen Erstausstrahlung, zugemessen wurde, als ein Konkurrenzsender die Antwort verriet und so einen kleinen Skandal heraufbeschwor. Alleine die Intrigen rund um das Sägewerk der Packards und die Machenschaften des Hoteliers Horne besitzen schon eine ähnliche Faszination wie die Suche nach Bob.

Zudem liegt das eigentliche Geheimnis und Erfolgsrezept von Twin Peaks eher in der Atmosphäre der Serie als in ihrer Handlung. Auch wenn man die Folgen schon mehrfach gesehen hat, verlieren sie kaum etwas von ihrer magischen Faszination. Man kehrt einfach gerne in die Welt von Twin Peaks zurück: mal, um dem Wind zu lauschen, der durch die rings um die Stadt gelegenen Wälder weht, mal, um mit Agent Cooper bei einer Tasse Kaffee und einem Stück Kirschkuchen für einen Moment Frieden zu finden. Natürlich auch, um tiefer in die Geheimnisse des roten Raums einzudringen oder einfach nur, um sich immer wieder an all den kleinen, aber unvergesslichen Momenten, wie dem Monolog Donnas an Lauras Grab in der fünften Episode, zu erfreuen. --Sascha Westphal

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Wege zum Ruhm: Stanley Kubrick hatte sein Talent bereits mit dem ausgezeichneten Kriminalthriller Die Rechnung ging nicht auf unter Beweis gestellt, aber es war das Antikriegsmeisterwerk Wege zum Ruhm, das ihm internationale Anerkennung verschaffte.

Kirk Douglas gab den Anstoß zu diesem Film, der auf dem Roman von Humphrey Cobb basiert, und entschied sich für den jungen Kubrick als Regisseur, der daraufhin einen der stärksten Filme über den verschwenderischen Wahnsinn des Krieges schuf. Douglas schlüpft hier in eine seiner besten Rollen überhaupt als Colonel Dax, Kommandant eines kriegsmüden Regiments der französischen Armee entlang der Westfront während des Ersten Weltkriegs. Die Truppe sitzt unter dem Artilleriebeschuss der Deutschen in ihren Schützengräben fest und wird auf eine selbstmörderische Mission geschickt, um eine stark befestigte deutsche Stellung einzunehmen.

Nachdem die Mission unweigerlich scheitert, befehlen französische Generäle die Aussonderung dreier Soldaten, um sie wegen Feigheit vor dem Feind vor ein Kriegsgericht zu stellen und hinzurichten. Dax wird zum Verteidiger für die ausgewählten Sündenböcke ernannt, und was dann folgt ist eine Travestie der Justiz, die nach Jahrzehnten noch immer relevant und ausdrucksvoll bleibt. Im Gefolge einiger der realistischsten und überwältigendsten Schlachtsequenzen, die je gefilmt wurden, erforscht Kubrick auf brillante Weise die politischen Machenschaften und egoistischen Ambitionen, die im sinnlosen Tod auf dem Schlachtfeld und vor Erschießungskommandos enden.

Wege zum Ruhm ist unbeirrbar in seiner Verurteilung des Krieges und der Hemmungslosigkeit seiner militärischen Führer, die aus den bequemen Sesseln ihrer luxuriösen Hauptquartiere heraus den Tod Tausender inszenieren. Wege zum Ruhm wurde in Frankreich als verleumderischer Angriff auf die französische Ehre jahrelang von der Zensur verboten, aber es ist deutlich, dass dieses intensive Drama auf alle Nationen zielt. Auch wenn es sich hier um die Themen Mut und Loyalität im Rahmen des Krieges im Allgemeinen handelt, dreht sich der Film speziell um die historischen Realitäten des Ersten Weltkrieges. Dennoch bleiben seine Wirkung und die künstlerische Leistung zeitlos und universell. --Jeff Shannon

Die Rechnung ging nicht auf: Stanley Kubricks dritter Spielfilm Die Rechnung ging nicht auf ist sein erster Leinwandklassiker und einer der großen Kriminalfilme der 50er-Jahre. Er schrieb ihn zusammen mit Drehbuchautor Jim Thompson, der für Billigromane wie The Grifters, The Killer Inside Me und Pop. 1280 verantwortlich zeichnete, die alle als Film adaptiert und Klassiker wurden. Diesmal schrieb Thompson direkt für die Leinwand und schloss sich dabei mit Kubrick zusammen, um eine Geschichte über eine verzweifelte Gang enttäuschter Verlierer auszutüfteln, die von einem grimmigen, entschlossenen Sterling Hayden angeführt wird. Gemeinsam entwerfen sie einen komplexen Überfall auf den Tresorraum einer Rennbahn und führen ihn auch durch, aber innere Spannungen und die erbarmungslosen Kräfte des Schicksals arbeiten gegen sie.

Die Besetzung ist durchweg spitze, und Hayden, Jay C. Flippen, Timothy Carey, Marie Windsor und Elisha Cook Jr. schlüpfen meisterhaft in die Rollen von Charakteren, die hin- und hergerissen sind zwischen hochfliegenden Ambitionen und einfachem Verlangen. Kameramann Lucian Ballard gestaltet verzerrte, grell ausgestrahlte Innenaufnahmen, die die psychologischen Spannungen der Charaktere widerspiegeln. Zusammen mit Kubrick zauberte er auch eine der wohl denkwürdigsten ironischen Schlusssequenzen der Filmgeschichte.

Die Rechnung ging nicht auf ist der perfekte Einstieg in die Kunst und die Freuden des Film Noir, und seine skurrile erzählerische Struktur wurde seitdem oft kopiert. Für den perfekten Doppelfeature-Abend empfiehlt es sich, diesen Film zusammen mit Asphalt-Dschungel von John Huston zu genießen, ein weiteres Noir-Meisterwerk mit Sterling Hayden in der Hauptrolle; oder mit Wege zum Ruhm, Kubricks nächstem Film, den er ebenfalls zusammen mit Thompson schrieb. Oder sogar mit Jackie Brown, bei dem Quentin Tarantino den einzigartigen Zeitsprüngen dieses Films huldigt. Die Rechnung ging nicht auf kommt kommerzieller daher als Kubricks spätere Filme, dennoch ist und bleibt er eine Glanzleistung eines der ausgezeichnetsten Filmemachers aller Zeiten. --Raphael Shargel

Der Tiger von New York: Stanley Kubrick führte bei Der Tiger von New York, seinem zweiten Spielfilm, nicht nur Regie -- er arbeitete, quasi als Einmann-Studio, auch als Drehbuchautor, Produzent, Cutter und Kameramann. Seine sich entwickelnde filmische Intelligenz machte dabei aus einer unter anderen Umständen wenig bemerkenswerten Geschichte einen denkwürdigen, wenn auch kleinen Film -- eine Vorahnung auf die Meisterwerke, die noch kommen sollten.

Jamie Smith spielt einen erledigten Preisboxer, der seiner platinblonden Nachbarin (Irene Kane), die in einer Bar als Taxi-Girl arbeitet, zu Hilfe eilt, als die von ihrem gediegenen, zwielichtigen Boss (Frank Silvera) belästigt wird. Smith und Kane verlieben sich, aber ihre Pläne, die schonungslose Großstadt zu verlassen, um das einfachere Leben in Seattle zu genießen, geraten in Gefahr, als Silvera seine Schläger schickt, um Smith unter Druck zu setzen. Verwechslungen wie auch eine übereifrige Tracht Prügel führen zu Mord, Entführung und schließlich zu einer verzweifelten Konfrontation zwischen Smith und Silvera in einem unheimlichen Lagerhaus voller Schaufensterpuppen. Abgeschlagene Köpfe, hin- und herschwingende Hände und die leeren Blicke der leblosen Puppen werden zum kalten Gegenstück dieses schweißtreibenden, geradezu archaischen Kampfes, in dem Silvera eine Axt schwingt und Smith ihm mit einer Pike entgegentritt -- wie zwei Gladiatoren in einer abstrakten Arena.

Die graue Kulisse von New York, in der der Film größtenteils gedreht wurde, wird zum krassen Schwarz-Weiß, und während die Spannung steigt, lauert die Stadt bedrohlich über den Charakteren. Kubricks raffinierter Gebrauch von akustischen Mitteln sowie sein schmuckloser optischer Stil sorgen für eine hyperrealistische Atmosphäre, die in seinem folgenden Film, dem Klassiker Die Rechnung ging nicht auf, noch viel wirkungsvoller zum Einsatz kommen sollte. --Sean Axmaker

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Das Jahr 10191. Der Planet Arrakis ist der einzige Ort im bekannten Universum, auf dem Spice gewonnen werden kann, die einzige Substanz, die Raumfahrt zwischen den Galaxien möglich macht. Als die Herrschaft über den Planeten an den Herzog des Hauses Atreides fällt, wittert dessen Erzfeind, Baron Harkonnen, eine Chance. Mit einem kurzen Eroberungskrieg reißt er den Planeten an sich. Doch der Sohn des Herzogs hat überlebt. Und sinnt auf Rache. Der gleichnamige Roman des Autors Frank Herbert, auf dem dieser Film basiert, ist einer der bestverkauftesten Science-Fiction-Romane aller Zeiten. George Lucas entnahm hier die Idee für den Planeten Tattooine den Krieg-der-Sterne-Filmen.

Zwanzig Jahre nach Erscheinen des Buches brachte David Lynch (Lost Highway) das 700-Seiten-Werk als bildgewaltiges Epos auf die Leinwand. Die Eindrücke von riesigen Raumschiffen im All und den mächtigen Sandwürmern, die über weite Wüstenlandschaften gleiten, können nur von wenigen anderen Genrefilmen übertroffen werden. Zu den exzellenten Effekten dieses Filmes fügt David Lynch die ihm gegebene Vorliebe für verstörende Bilder und bizarre Charaktere. Mit Dune begann auch die Zusammenarbeit mit Hauptdarsteller Kyle MacLachlan (Blue Velvet, Twin Peaks), der den mit übersinnlichen Kräften begabten Paul Atreides verkörpert. Popstar Sting spielt dessen Widersacher Feyd Rautha, und die weiteren Darsteller sind dem Fan des fantastischen Films eine rechte Freude: Max von Sydow Judge Dredd, Jürgen Prochnow Wing Commander, Brad Dourif Alien: Resurrection und -- niemals zu vergessen: Star-Trek-Captain Jean-Luc Picard: Patrick Stewart. --Alexander Röder

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In Blue Velvet wirft David Lynch einen Blick hinter die weißen Palisadenzäune Kleinstadt-Amerikas und bringt eine korrupte Schattenwelt aus Boshaftigkeit, Sadismus und Wahnsinn zum Vorschein. Gleich von der Eröffnungsszene an verwandelt er die Postkartenbilder von Mittelklasse-Eigenheimen und von Bäumen gesäumten Straßen in eine traumartige Vision, die an einen Albtraum grenzt.

Nachdem sein Vater in einer geradezu übernatürlich gruseligen Sequenz zusammenbricht, kehrt ein College-Student (Kyle MacLachlan) nach Hause zurück und findet durch Zufall auf einem leeren Grundstück ein abgeschnittenes menschliches Ohr. Mit der Unterstützung eines unschuldig-süßen Highschool-Mädchens (Laura Dern) wird er zum Nachwuchsdetektiv und gerät in eine erschreckende, jedoch aufregende Welt von Voyeurismus und Sex. Er wird immer tiefer in die brutale Welt des Drogendealers und Erpressers Frank hineingezogen, der wie vom Wahnsinn getrieben, von einem Obszönitäten brüllenden Dennis Hopper gespielt wird. Konfrontiert mit reiner, unerklärlicher Bösartigkeit verliert er seine Unschuld und seine moralische Orientierung. Eine auf geradezu erschreckende Weise verzweifelte Isabella Rossellini ist Hoppers Sexsklavin und wird zu MacLaughlins heimlicher Geliebten, während sich Dean Stockwell durch seine Rolle als Hoppers angeblich weltmännischer Kumpel schnurrt.

Lynch verleiht seinen surrealen Motiven eine strenge, gespenstische Einfachheit, die der Komponist Angelo Badalamenti mit seinem sanft-unheimlichen Soundtracks noch unterstreicht. Blue Velvet ist ein beunruhigender Film, der in die tiefsten Bereiche psychosexueller Brutalität vordringt und damit nicht jedermanns Geschmack sein dürfte. Aber für jemand, der sehen will, wie die Fundamente der Welt des Kinos erschüttert werden, bietet David Lynch ein albtraumhaftes Meisterwerk. --Sean Axmaker

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Robert de Niro spielt einen verstörten Vietnamveteranen, der jetzt in New York als Nachtschicht-Taxifahrer arbeitet. Der viele Schmutz, die Brutalität und die Unmenschlichkeit, die er erlebt hat, haben ihn zum Einzelgänger gemacht. Schwierigkeiten im Alltag und seine verbotene Beziehung zu einer 14-jährigen Prostituierten lassen ihm nur einen Ausweg: die Gewalt. Der Höhepunkt des Films ist eine der stärksten und zugleich grauenvollsten Szenen der Filmgeschichte.

Bonusmaterial:

• Interaktives Drehbuch
  
• Originalkommentar von 1986 mit Regisseur Martin Scorsese und Drehbuchautor Paul Schrader, aufgenommen von The Criterion Collection
  
• Kommentare von Drehbuchautor Paul Schrader und Professor Robert Kolker
  
• Martin Scorsese über Taxi Driver
  
• Die Produktion
  
• Gottes einsamster Mann
  
• Einflussnahme und Würdigung
  
• Taxifahrer-Geschichten
  
• Das Making-of
  
• Travis' New York - Wie sich New York seit 1975 verändert hat
• Travis' New York Locations - Wir besuchen die berühmten Drehorte in New York City 2006 und vergleichen sie mit den Drehorten im Jahr 1975
  
• Gegenüberstellung der Storyboards zum Film mit einer Einführung von Martin Scorsese
  
• Animierte Fotogalerie

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Wege zum Ruhm: Stanley Kubrick hatte sein Talent bereits mit dem ausgezeichneten Kriminalthriller Die Rechnung ging nicht auf unter Beweis gestellt, aber es war das Antikriegsmeisterwerk Wege zum Ruhm, das ihm internationale Anerkennung verschaffte.

Kirk Douglas gab den Anstoß zu diesem Film, der auf dem Roman von Humphrey Cobb basiert, und entschied sich für den jungen Kubrick als Regisseur, der daraufhin einen der stärksten Filme über den verschwenderischen Wahnsinn des Krieges schuf. Douglas schlüpft hier in eine seiner besten Rollen überhaupt als Colonel Dax, Kommandant eines kriegsmüden Regiments der französischen Armee entlang der Westfront während des Ersten Weltkriegs. Die Truppe sitzt unter dem Artilleriebeschuss der Deutschen in ihren Schützengräben fest und wird auf eine selbstmörderische Mission geschickt, um eine stark befestigte deutsche Stellung einzunehmen.

Nachdem die Mission unweigerlich scheitert, befehlen französische Generäle die Aussonderung dreier Soldaten, um sie wegen Feigheit vor dem Feind vor ein Kriegsgericht zu stellen und hinzurichten. Dax wird zum Verteidiger für die ausgewählten Sündenböcke ernannt, und was dann folgt ist eine Travestie der Justiz, die nach Jahrzehnten noch immer relevant und ausdrucksvoll bleibt. Im Gefolge einiger der realistischsten und überwältigendsten Schlachtsequenzen, die je gefilmt wurden, erforscht Kubrick auf brillante Weise die politischen Machenschaften und egoistischen Ambitionen, die im sinnlosen Tod auf dem Schlachtfeld und vor Erschießungskommandos enden.

Wege zum Ruhm ist unbeirrbar in seiner Verurteilung des Krieges und der Hemmungslosigkeit seiner militärischen Führer, die aus den bequemen Sesseln ihrer luxuriösen Hauptquartiere heraus den Tod Tausender inszenieren. Wege zum Ruhm wurde in Frankreich als verleumderischer Angriff auf die französische Ehre jahrelang von der Zensur verboten, aber es ist deutlich, dass dieses intensive Drama auf alle Nationen zielt. Auch wenn es sich hier um die Themen Mut und Loyalität im Rahmen des Krieges im Allgemeinen handelt, dreht sich der Film speziell um die historischen Realitäten des Ersten Weltkrieges. Dennoch bleiben seine Wirkung und die künstlerische Leistung zeitlos und universell. --Jeff Shannon

Die Rechnung ging nicht auf: Stanley Kubricks dritter Spielfilm Die Rechnung ging nicht auf ist sein erster Leinwandklassiker und einer der großen Kriminalfilme der 50er-Jahre. Er schrieb ihn zusammen mit Drehbuchautor Jim Thompson, der für Billigromane wie The Grifters, The Killer Inside Me und Pop. 1280 verantwortlich zeichnete, die alle als Film adaptiert und Klassiker wurden. Diesmal schrieb Thompson direkt für die Leinwand und schloss sich dabei mit Kubrick zusammen, um eine Geschichte über eine verzweifelte Gang enttäuschter Verlierer auszutüfteln, die von einem grimmigen, entschlossenen Sterling Hayden angeführt wird. Gemeinsam entwerfen sie einen komplexen Überfall auf den Tresorraum einer Rennbahn und führen ihn auch durch, aber innere Spannungen und die erbarmungslosen Kräfte des Schicksals arbeiten gegen sie.

Die Besetzung ist durchweg spitze, und Hayden, Jay C. Flippen, Timothy Carey, Marie Windsor und Elisha Cook Jr. schlüpfen meisterhaft in die Rollen von Charakteren, die hin- und hergerissen sind zwischen hochfliegenden Ambitionen und einfachem Verlangen. Kameramann Lucian Ballard gestaltet verzerrte, grell ausgestrahlte Innenaufnahmen, die die psychologischen Spannungen der Charaktere widerspiegeln. Zusammen mit Kubrick zauberte er auch eine der wohl denkwürdigsten ironischen Schlusssequenzen der Filmgeschichte.

Die Rechnung ging nicht auf ist der perfekte Einstieg in die Kunst und die Freuden des Film Noir, und seine skurrile erzählerische Struktur wurde seitdem oft kopiert. Für den perfekten Doppelfeature-Abend empfiehlt es sich, diesen Film zusammen mit Asphalt-Dschungel von John Huston zu genießen, ein weiteres Noir-Meisterwerk mit Sterling Hayden in der Hauptrolle; oder mit Wege zum Ruhm, Kubricks nächstem Film, den er ebenfalls zusammen mit Thompson schrieb. Oder sogar mit Jackie Brown, bei dem Quentin Tarantino den einzigartigen Zeitsprüngen dieses Films huldigt. Die Rechnung ging nicht auf kommt kommerzieller daher als Kubricks spätere Filme, dennoch ist und bleibt er eine Glanzleistung eines der ausgezeichnetsten Filmemachers aller Zeiten. --Raphael Shargel

Der Tiger von New York: Stanley Kubrick führte bei Der Tiger von New York, seinem zweiten Spielfilm, nicht nur Regie -- er arbeitete, quasi als Einmann-Studio, auch als Drehbuchautor, Produzent, Cutter und Kameramann. Seine sich entwickelnde filmische Intelligenz machte dabei aus einer unter anderen Umständen wenig bemerkenswerten Geschichte einen denkwürdigen, wenn auch kleinen Film -- eine Vorahnung auf die Meisterwerke, die noch kommen sollten.

Jamie Smith spielt einen erledigten Preisboxer, der seiner platinblonden Nachbarin (Irene Kane), die in einer Bar als Taxi-Girl arbeitet, zu Hilfe eilt, als die von ihrem gediegenen, zwielichtigen Boss (Frank Silvera) belästigt wird. Smith und Kane verlieben sich, aber ihre Pläne, die schonungslose Großstadt zu verlassen, um das einfachere Leben in Seattle zu genießen, geraten in Gefahr, als Silvera seine Schläger schickt, um Smith unter Druck zu setzen. Verwechslungen wie auch eine übereifrige Tracht Prügel führen zu Mord, Entführung und schließlich zu einer verzweifelten Konfrontation zwischen Smith und Silvera in einem unheimlichen Lagerhaus voller Schaufensterpuppen. Abgeschlagene Köpfe, hin- und herschwingende Hände und die leeren Blicke der leblosen Puppen werden zum kalten Gegenstück dieses schweißtreibenden, geradezu archaischen Kampfes, in dem Silvera eine Axt schwingt und Smith ihm mit einer Pike entgegentritt -- wie zwei Gladiatoren in einer abstrakten Arena.

Die graue Kulisse von New York, in der der Film größtenteils gedreht wurde, wird zum krassen Schwarz-Weiß, und während die Spannung steigt, lauert die Stadt bedrohlich über den Charakteren. Kubricks raffinierter Gebrauch von akustischen Mitteln sowie sein schmuckloser optischer Stil sorgen für eine hyperrealistische Atmosphäre, die in seinem folgenden Film, dem Klassiker Die Rechnung ging nicht auf, noch viel wirkungsvoller zum Einsatz kommen sollte. --Sean Axmaker

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